HISTORIA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA
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¿Qué es la Música Electrónica?
Según Wikipedia:
Un disc-jockey (también conocido con la abreviatura de DJ y su pronunciación anglosajona de deejay) es una persona que selecciona y mezcla música grabada propia o de otros compositores y artistas para ser escuchada por una audiencia. Existen varios tipos de disc-jockeys. Los DJ de radio, de club, de hip hop... con lo que conlleva cada uno.
Un artículo firmado por (MEC) GROUP resume adecuadamente la música electrónica… La define como aquella música interpretada por medio de aparatos electrónicos, incluyendo en este concepto la música creada con cintas magnetofónicas; la música electrónica en vivo creada en tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos; y la música concreta creada a partir de sonidos grabados y luego modificados.
Origen de la Música Electrónica
El compositor Ferruccio Busoni en su «Esbozo de una estética musical» (1907) afirma que los instrumentos musicales tradicionales han llegado al agotamiento y que es necesario incorporar nuevos timbres, poniendo todas sus esperanzas en los instrumentos eléctricos que entonces ya empezaban a aparecer. Busoni no se dedicó a llevar a la práctica sus ideas pero el compositor Varése y el grupo Futurista las desarrollaron con mucho entusiasmo. Entre unos y otros integraron el ruido como elemento de primera importancia en la música.
Luigi Russolo, fundador del Movimiento Futurista, creó una nueva música basada en los ruidos, para lo cual construyó un órgano de ruidos que era un conjunto de instrumentos mecánicos, los «Intonarumori», con nombres tan sugerentes como ululatori, crepitatori o stropicciatori. El sintetizador más antiguo que se conoce es el Telharmonium (1900) del que existe una descripción en la revista Electrical World nº 58 de 1906 escrita por su creador Thaddeus Cahill’s. Más tarde, en 1920 el Dr. Carl Emil inventa el audiómetro que funciona mediante tonos generados electrónicamente. Leon Theremin (físico ruso nacido como Lev Serguéievich Termen) crea en 1919 un instrumento musical llamado theremin (o théreminvox) conocido en su versión primitiva como aetherophone. Es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, y el primer sintetizador de la historia.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 este instrumento electrónico que fue bautizado con su mismo nombre. El sintetizador Martenot es un instrumento formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia. Ondas Martenot es un instrumento monofónico, es decir, que no es capaz de reproducir dos notas simultáneas. Cuando se presiona una tecla sólo puede producirse un único sonido. Sus versiones mejoradas se conocen como ondiline que se basa en un tipo de oscilador en diente de sierra y divisores de frecuencia que permite una síntesis aditiva posterior; y el trautonium que es el precursor de los instrumentos controlados por tensión (más tarde lo usará Moog), y podía dividir una octava en 1200 tonos diferentes.
El magnetófono de bobina permitió grandes avances en la música electrónica. El disco fonográfico resultaba difícil de manipular -como habían comprobado Ernest Tocy, Cage y Varése- y producía resultados de baja calidad. Casi podríamos decir que la música electrónica surgió en Francia allá por la década de 1940 cuando Pierre Schaeffer, ingeniero de sonido, fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas musicales. Grababa sonidos provenientes del mundo real en una cinta que luego manipulaba cortando, pegando y empalmando los fragmentos, con lo que conseguía montar uno nuevo a base de los recortes obtenidos.
Schaeffer bautizó este sonido como música concreta. Los técnicos de radio necesitaban fondos sonoros de uso radiofónico que grababan en el exterior, lo que creó un amplio archivo de sonidos con los que se podía trabajar. Estos elementos sonoros pregrabados se denominaron «concretos» y fueron conservados, al principio, en discos monosurco que permitían reproducciones continuas y variaciones de velocidad, es decir de altura, en función de la velocidad del disco. Posteriormente se utilizó el magnetófono. El 5 de octubre de 1948, los «5 estudios de ruidos» de Pierre Schaeffer son emitidos por la radio «Cadenas parisinas«. Señalan el principio de la música concreta.
La «música concreta», nació en el denominado «Club d’Essai» de la Radio Televisión Francesa en París (1948) y fué promovida por Pierre Schaeffer. Su primera fue el «Etude aux chemins de Fer» (1948) se basaba en ruidos de trenes. Todas sus obras de esa época consistían en breves estudios sobre sonidos, como la obra titulada Symphonie pour un homme seul (1950), compuesta en colaboración con su colega Pierre Henry. El impacto plástico de estas obras fue grande e influyó en coreógrafos, como Maurice Bejart, que se inspiró en muchas de ellas. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez. En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica.
El año 1939 Homer W. Dudley de los Laboratorios Bell creó el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. La Feria Mundial de Nueva York de 1939 mostró una máquina llamada «The Voder«, de los Laboratorios de Bell Telephone, que fue el primer intento de sintetizar la voz humana. El Voder fue el primer sintetizador de voz. Se inventó a partir de los circuitos del Vocoder y era un auténtico sintetizador en el sentido actual, pero diseñado para reproducir la palabra hablada. En 1949 el físico alemán Werner Meyer-Eppler publicó una tesis llamada ‘Música electrónica y lenguaje sintético’ en la que proponía algo novedoso: componer música usando únicamente sonidos producidos por señales eléctricas. Fue el primero en utilizar el término «música electrónica«.
El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, fue un defensor de la música dodecafónica, fue el iniciador de la música electrónica y colaboró con Karlheinz Stockhausen. Ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. De sus obras destacan Klangstudie I (1952), Four Pieces (1952-53), Glockenspiel y Struktur 8 (1953), Selektion I (1959-60) y Epitaph Für Aikichi Kuboyama (1962). El uso del término ‘serie’ en conexión con la música fue introducida en el francés por René Leibowitz en 1947, e inmediatamente después por Humphrey Searle en inglés, como una traducción alternativa del término alemán Zwölftontechnik (dodecafonismo) o Reihenmusik (música serial); fue introducido independientemente por Herbert Eimert y Karlheinz Stockhausen al alemán en 1954 como la serielle Musik, con un significado diferente, pero que se traduce también como música serial.
Documentación: Pioneros de la Música Electrónica por Adolfo Nuñez
La década de los Sesenta
La historia de la Música Electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica y en pocos años fue adoptada en la cultura popular. Pero primero hubo que fabricar sintetizadores pequeños y económicos. Hacia el 1959 Harry Olson y su equipo de la RCA fueron los constructores del primer intento de lo que hoy se conoce como sintetizador. Era una máquina inmensa que se conserva en la Universidad de Columbia. Conseguía generar sonidos cuya frecuencia, volumen, ataque, duración, caída, timbre… había que especificar escribiendo una partitura en papel perforado. Después eran registrados en una cinta de magnetófono.
Robert Moog a instancias del compositor Herbert Deutsch, fue el que diseñó los primeros VCO y VCA y más tarde fundaría su propia empresa de sintetizadores, como hicieron también Buchla y Paul Kentoff. Esta industrialización permitió que mucha más gente pudiera hacer música electrónica, aunque al principio los sintetizadores eran todavía lentos de manejar, permitían difícilmente la interpretación en tiempo real y eran monofónicos.
En el Taller Radiofónico de la BBC, Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989). A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor aficionado Bob Whitsell habían producido el Electro-theremín, un instrumento que imitaba el timbre del theremín pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó dicho instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (Música del Espacio Exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations del grupo The Beach Boys grabado en 1966; lo dominaba el músico Jimmy Page y suena en el opening de Los Simpson.
La compositora y clavecinista estadounidense Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog que tan utilizado se hizo para la creación de composiciones de música electrónica.
Con el moog era posible crear un número casi infinito de sonidos electrinicos. Estos sonidos podían imitar los sonidos de los instrumentos convencionales o generar sonidos completamente nuevos. El Sintetizador Moog no podía producir acordes, por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron varias horas de grabación en estudio. Algunos de estos trabajos musicales se pueden apreciar en el filme de Stanley Kubrick A Clockwork Orange (La naranja mecánica). Los Beatles, Stevie Wonder o el grupo The Who utilizaron el sintetizador Moog, que también fue utilizado por Yes, Manfred Mann o Emerson, Lake & Palmer.
Influencia en el Rock
Los primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos teclistas, como Keith Emerson, integrante del grupo Emerson, Lake and Palmer los utilizaban en sus recitales incorporando sonidos de música electrónica.
Los músicos de rock también han utilizado instrumentos electrónicos desde siempre a lo largo de la historia de la Música Electrónica. Primero utilizaron el melotrón, por ejemplo, en la producción del álbum Strawberry Fields Forever de The Beatles. El pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is. Aunque los Beatles fueron los pioneros, otros grupos consiguieron mejores resultados como Led Zeppelin en Kashmir o The Rain Song, o Pink Floyd en Atom heart mother. Se trataba de un teclado capaz de reproducir en tres canales cintas pregrabadas accionadas con ambas manos: con la izquierda se podían seleccionar 18 ritmos diferentes y con la derecha otros tantos instrumentos.
En los 70s fue utilizado por las bandas de rock progresivo como King Crimson y Yes, y también por John Paul Jones. En la actualidad, de vez en cuando lo utilizan bandas como Tori Amos, Red Hot Chili Peppers, Incubus, Radiohead, Fiona Apple, Oasis y The Smashing Pumpkins. También lo utilizan grupos «revival» del rock progresivo de los años ’90 como el trío de grupos suecos Anekdoten, Anglagard y The Flower Kings. Finalmente mencionaremos como motor de reactivación de este instrumento grupos como Opeth y Porcupine Tree.
Robert Moog no fue el único inventor de sintetizadores. A principios de los años sesenta los músicos americanos Morton Subotnick, Ramon Sender, Terry Riley y Pauline Oliveros crearon el «San Francisco Tape Music Center», una agrupación orientada a la creación musical mediante el tratamiento y manipulación de cintas. A mediados de los años sesenta el ingeniero Donald Buchla colaborará con este grupo de músicos, y en especial con Morton Subotnick, para la creación de un sintetizador modular analógico, el Buchla 100. Donald Buchla desarrolló unos sintetizadores que, contrariamente al sintetizador Moog, carecían de teclado.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más económicos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock incluyendo sonidos de música electrónica.
Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda la música de estos grupos era electrónica (con la excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan frecuente que a mediados de los setenta, el grupo británico de rock Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía ¡Sin sintetizadores! Por el contrario, en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés, los elementos electrónicos tenían gran importancia.
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Los años Setenta
Julian Cope es un músico galés, autor, anticuario, musicólogo y poeta, que alcanzó relevancia en 1978 como cantante y letrista en la banda post-punk de Liverpool, de nombre The Teardrop Explodes. También escribió libros relacionados con la historia del rock, tales como el mencionado arriba (sobre el género musical Krautrock desarrollado en Alemania) y Japrocksampler (historia del rock en Japón). Escribió sobre las bandas alemanas Can, Faust, Tangerine Dream, Ash Ra Temple… que habían firmado con el sello británico Virgyn ya cuando el movimiento germano experimentaba las primeras señales de agotamiento. El rock alemán de la época contaba con grupos pioneros en el uso de la música electrónica como Kraftwerk, Neu!, Cluster, Harmonia, Popol Vuh, Amon Düül I y II, Guru Guru, Witthüser und Westrupp, Klaus Schulze y la saga de los Cosmic Jokers. También sobresalieron Agitation Free, Xhol Caravan, Embryo, Sand, German Oak, Hairy Chapter, A.R. & Machines… todos ellos leyendas para la historia de la Música Electrónica.
El crítico de música Ian MacDonald, el autor del célebre libro sobre los Beatles Revolution in the Head, escribió en diciembre de 1972 en el New Musical Express un artículo titulado «Germany Calling«, sobre los grupos Xhol, Embryo, Annexus Quam y varios otros. Incluso antes, en abril del mismo año, el periodista Michael Watts publicaba su «Deutsch Rock» en una página completa del Melody Maker. En enero del 1973 Jean Pierre Lentin escribió en Actuel, la biblia de la contracultura francesa, un extenso texto titulado «Le rock allemand enfin!«. Y la revista italiana Ciao 2001 escribía en 1973: «Pop tedesco- Cosmische (sic) Musik: Musica cosmica, spazi vergini e informali con Tangerine Dream; meditazione elettronica con atmosfere romantico-orientali nei Popol Vuh, Ash Ra Tempel; Preistoria e futurismo con I Kraftwerk; campus music, note politiche in Embryo e Floh de Cologne.«
Con estos artículos el rock alemán salía de su etapa underground y sus grupos daban conciertos internacionales, fenómeno en el que destacaría la gira de Kraftwerk por Estados Unidos en 1975 y la publicación de su LP Autobahn que alcanzó la cima de los rankings. La difusión del krautrock coincidió con la etapa de su agotamiento creativo y con el deterioro de la situación política en la República Federal, que alcanzaría un clímax negativo en el otoño de 1977 con el asesinato del presidente del Dresden Bank Jürgen, por miembros de la Fracción del Ejército Rojo durante los eventos conocidos como el Otoño Alemán. El secuestro por parte del Frente Popular para la Liberación de Palestina de un avión de Lufthansa. El secuestro y posterior ejecución del jefe de la Federación de Industrias Alemanas Hans Martin Schleyer y el suicidio de los principales miembros de la RAF -Andreas Baader, Gudrun Ensslin y Jan Carl Raspe- en la prisión de Stannheim. Para ese entonces el krautrock sería apenas un recuerdo. El tiempo del rock alemán progresivo coincidió con ese momento histórico y nada significa si lo aislamos de esas traumáticas experiencias que ilustran tanto sobre sus primeros impulsos como sobre los motivos de su paulatino debilitamiento. La música rock alemana surgió paralela a los movimientos de protesta de los años 60 y 70.
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar la alienación del mundo tecnológico moderno, como habían hecho las películas Metrópolis de Fritz Lang y Tiempos Modernos de Charles Chaplin. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica. Al Krautrock se le considera un subgénero del rock progresivo con una especial inclinación al uso de elementos de la música electrónica.
Según Scannerfm.com: «No es un estilo musical, mas bien se trata de un movimiento o corriente musical de rock experimental que engloba a una gran cantidad de artistas alemanes que habían sido influidos por géneros como el rock psicodélico, el rock progresivo, la música avant-garde, el rhythm and blues y el jazz y que empezaron a sacar discos a finales de los 60 y durante toda la década de los 70. Originalmente el termino «krautrock» era una descripción despectiva que acuñaron los anglosajones para referirse a este tipo de grupos «progresivos» alemanes (kraut viene de «Sauerkraut» o col fermentada, lo que los ibéricos conocemos como «chukrut», acompañamiento ideal de las clásicas bratwursts o del codillo al horno; por lo que el krautrock se refería mas bien al «rock hortelano», de la huerta, o sea, rock palurdo o garrulo«. La denominación kraut era despectiva, pero los músicos alemanes se la apropiaron de manera irónica. Era el modo en que los anglosajones se referían a sus enemigos germanos durante la guerra.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! incorporaron los sonidos electrónicos a sus temas. Los componentes de Tangerine Dream fueron gente muy capacitada: Edgar Froese (alumno de Dalí y fundador de TD), Klaus Schulze (Ash Ra Tempel, The Cosmic Jokers) y Conrad Schnitzler (Eruption, Kluster). Estos fueron los que acuñaron el término de «Kosmische Musik» que motivó que se hablara de «kosmiche kuriere» o emisarios cósmicos para referirse a estos grupos. Tangerine Dream utilizó los sintetizadores para crear atmósferas espaciales llenas de referencias mitológicas y de filosofía oriental, destacando en su discografía los álbumes «Phaedra» (1974), «Electronic Meditation» (1970) y «Zeit» (1972).
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia para la historia de la Música Electrónica en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, el estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta. Actualmente grupos como Portishead o Fujiya & Miyagi producen sonidos próximos a estas bandas alemanas. Algunas bandas del indie rock, post punk y música alternativa de los últimos 20 años como Sonic Youth, The Fall o Stereolab siempre se han declarado deudoras de este particular sonido.
Otro importante músico que utilizó los ordenadores es el francés Jean-Michel Jarre, formado musicalmente en el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical), liderado por Pierre Schaeffer, quien se convertiría en su maestro. Hijo de Maurice Jarre, autor de importantes bandas sonoras cinematográficas, como las de Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965)), en la década de 1970 publicó Oxygene, el álbum 100% electrónico que lo hizo globalmente famoso.
A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los samplers o muestreadotes. Los primeros samplers eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de samplers económicos. Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el pionero del uso de los elementos electrónicos.
Años Ochenta
Pionero de la música electrónica junto a Kraftwerk y Tangerine Dream, el griego Vangelis acrecentó el interés del público general a comienzos de la década (ya espoleado por el Oxygene de Jarre) con su exitosa banda sonora para Carros de Fuego, que abrió nuevas posibilidades sonoras para la música de cine. Su influencia se hizo aún más palpable al componer la banda sonora de la película Blade Runner, cuyo tema principal es considerado por algunos en la vanguardia del movimiento techno e inicio de la repercusión de la música electrónica.
La mezcla del electro funk (estilo emparentado con el funk, pero con una presencia dominante de los instrumentos electrónicos) con diferentes estilos de música electrónica europea, generaron a principios de los ochenta la música techno en Detroit y Míchigan, y el house en Chicago y Illinois. La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando en Europa surgieron temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde otros estilos como la EBM y el electro pop por formaciones como Depeche Mode y Pet Shop Boys, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.
Músicos como Brian Eno, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico siendo claves en la Historia de la Música Electrónica. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. La banda de sonido de Forbidden Planet (Planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956. Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, compo la serie de cintas Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terroríficas que exigían estas producciones a lo largo de la historia de la Música Electrónica.
La composición de la música electrónica puede crear ritmos más rápidos y más precisos -por la existencia de secuenciadores- que lo que se puede hacer utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente. La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna, Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música electrónica.
Música Industrial
La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática, llevó a un género de música conocido como música industrial, en la que destacan grupos como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire. Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la música concreta y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como Test Department y Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido para crear composiciones electrónicas. Mientras tanto, otros grupos como Robert Rich, Zoviet*france: y Rapoon tomaron estos timbres y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros grupos como Front 242 y Nitzer Ebb combinaron esa música con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Sonido Industrial (Música experimental)
Por otro lado, gente como Nitzer Ebb fusionaron el Techno Pop con el Hard Rock, creando así el Sonido Industrial. Este estilo tomó su nombre porqué los instrumentos que se utilizaban en los temas tenían un sonido metálico y muy contundente, como si se estuviese golpeando con un martillo en una fábrica. La moda Acid se extinguió muy rápidamente, en tan solo un año. Ibiza, la isla innovadora por excelencia, acogió abiertamente la música electrónica, en concreto al New Beat como sonido de moda. Este estilo tenía sus raíces en el Sonido Industrial, pero conservaba parte de la esencia Acid. Una de las características más importantes del New Beat era la denominación de origen. Principalmente llegaba desde Bélgica, y la velocidad rítmica de tos temas que era bastante lenta. Junto a «Sound of C«, de Confetti´s, el tema de Amnesia, «Ibiza», se convirtió en el disco por excelencia de 1989, el año del New Beat.
La música industrial es un estilo de música experimental que hace uso de temas transgresivos y suele estar asociada con angustia e ira contraculturales. Aunque ideológicamente se encuentra asociada al punk, la música industrial es generalmente más compleja y diversa, tanto a nivel sonoro como lírico. El término fue acuñado hacia mediados de 1970 a raíz de la fundación de Industrial Records por la banda de Yorkshire Throbbing Gristle y con la creación del eslógan irónico «industrial music for industrial people» (en castellano, «música industrial para gente industrial»).
Los primeros artistas industriales en la historia de la Música Electrónica, experimentaron con ruidos y temas estéticamente comprometidos, tanto musical como visualmente, como el fascismo, los asesinatos en serie y el ocultismo. Su producción no se limitó a la música, sino que incluyó también arte, performance, instalaciones artísticas y otras formas de expresión artísticas. Entre los músicos más destacados de la música industrial están Throbbing Gristle, SPK, Boyd Rice, Cabaret Voltaire y Z’EV. Los precursores que influyeron sobre el desarrollo del género fueron proyectos como el grupo de electrónica Kraftwerk, bandas de rock experimental como The Velvet Underground y Frank Zappa, artistas de rock psicodélico como Jimi Hendrix, compositores como John Cage, escritores como William S. Burroughs y filósofos como Friedrich Nietzsche.
Aunque el término fue inicialmente utilizado solo por un pequeño círculo de individuos asociados con Industrial Records en los 1970, se amplió para incluir a artistas influídos por el movimiento original o que adoptaban la estética «industrial». Estos artistas expandieron el género al empujarlo en direcciones más ruidistas y relacionados con lo que actualmente conocemos como música electrónica. Con el tiempo, su influencia se extendió, pasando la música industrial a fusionarse con otros estilos como la música folk, el ambient y el rock, fusiones que se catalogan como música post industrial. Entre los géneros híbridos más populares se encuentran el rock industrial y el metal industrial, con grupos como Nine Inch Nails y Ministry, que llegaron a lograr discos de platino en los años 1990. El electro-industrial es un desarrollo más moderno. Estos tres géneros suelen ser conocidos simplemente como industrial en la historia de la música electrónica.
Sonido Post Industrial
A finales de los años 1980, se desarrollaron toda una serie de estilos pioneros de la industria para la historia de la Música Electrónica, que ya incluían sonidos de música electrónica, a partir de la ya ecléctica base de la música industrial. Estos derivados incluyen fusiones de la música noise, ambient, folk, post-punk y electrónica, así como otras mutaciones y desarrollos. La escena se extendió mundialmente, y está particularmente bien representada en Norte América, Europa y Japón. Entre los subgéneros de post-industrial se incluyen ambient industrial, power electronics, japanoise, neofolk, electro-industrial, electronic body music, industrial hip hop, industrial rock, industrial metal y power noise…
Entre los derivados del industrial que más éxito comercial han cosechado están los grupos Ministry y Nine Inch Nails, ambos ganadores de discos de platino.
Jazz Electrónico
En el jazz electrónico se combinan los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores, surgiendo grabaciones del grupo Weather Report. El pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplia gama de sonidos electrónicos, más adelante explortía la música electrónica con más énfasis en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Años Noventa
En los años noventa, la historia de la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países, fueron incorporados elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña o el trance que nació al comienzo de esta década en los clubes de Frankfurt del Main (Alemania) y también el dub.
A finales de los años noventa, dentro de la música electrónica fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como los denominados IDM, progressive o deep house.
Época actual
En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos como Traktor de Native Instruments y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares para poder crear piezas de música electrónica y también para poder realizar mezclas en directo . Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción y directos basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música electrónica de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical. Llevando a un incremento masivo en la producción de música electrónica casera disponible para el público en internet.
A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción de música electrónica se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose la utilización de ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
Como hemos comentado, a lo largo de la historia de la música electrónica, el avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente solo existentes como hardware, estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins. Estos se usarán en la creación de obras de música electrónica. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.
En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadores.
Tutorial de música electrónica, con ejemplos de sonido: Techno.org
